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匿名用户
摄影既要考虑传达，又要考虑构成。 一切艺术莫不如此，设计、绘画、音乐……重要的是，摄影也是。 因为摄影是“超写实”的具象艺术，它所面对的材料多数不具备天然的抽象性。 但人类天然具有抽象的能力并从中获得审美愉悦。这是审美的身体性。 两个黄鹂鸣翠柳，翠柳之间的黄色来自生存意义上的自然选择。一行白鹭上青天，白鹭排队飞行是群体性的“涌现”（参见KK的《失控》）。天地有大美而无言，自然界的和谐从来不是从美的立场出发，能感知色彩和线条的人类才使其具有美学的意义。 所谓具象艺术，在构成的意义上，就是在具象中考虑点线面的构成关系。拉菲尔《草地上的圣母》是圣母的大三角形嵌套圣母圣子视线和头部构成的小三角形。
所谓抽象艺术，在构成的意义上，就是在抽象中考虑点线面的构成关系。蒙德里安的格子画，把绘画材料限制在直线、方形和色彩并以此来结构世界。
人体内悬挂着愉悦的钟，使之震荡并共鸣的构成方法，只有两点：1、对比。2相似。设计中所谓的“ABA”原则。AB为对比，AA为相似。我的某位写作朋友创作谈所谓“对峙与均衡”，简要方法是每一个自然段后，要用下一个自然段与之对峙（口吻、调性、节奏、松紧），并用其后的自然段完成“均衡”。 对比和相似的方法是身体性的。这意味着：一个少年，在他成长时扔给他一台相机，就像18岁的时候给他一个姑娘。凭借本能，他应该能发现构图的本质秘密，假如他足够敏感并且充满勇气。 我不同意按照任何分类的方法，把构图分为什么“S形”或者“交叉式”构图，这种教条式的分类也许对于培养初学者的感觉有启发意义，但阻碍了人去发现构图更为本质的秘密。这个秘密不是一句话或者某些明确而僵化的“知识”，而应是身体的钟在不断的捶打和震荡中，对于“对比和相似”所培养起的迅捷而敏感的直觉。 我也不同意参考国内任何所谓摄影专家对于任何所谓摄影大师的、传播学意义上的介绍分析，他们普遍素质很低，无非是靠制造光环和比拼谁离光环更近来售卖二手教材和畅销书。最佳的方法是购买大师的画册，或者到网上搜索他们的作品，没有任何先见的观看。 我不相信这些所谓专家，是发现从他们身上不能获取任何有益的营养（净介绍安塞尔亚当斯这种二流人物），相反，凭借自己的本能和实践，所收获的远比他们介绍得多。比如构图，我就从来没见过靠谱的定义，如果让我根据我的经验和理性来总结一个，我以为：
构图是线条、几何图形与裁剪框图形之间的形式关系。
裁剪框图形：
横线、竖线与裁剪框图形的形式关系（所谓的九宫格构图）：
对角线、三角形与裁剪框图形的形式关系：
我是拍人像的，具体说是拍时尚人像的，所以更愿意找我熟悉的例子来参照上述定义。
其中，左图的三人的竖线以及裁剪框的边线构成了相似和对比关系，右图的垂直线和对角线构成了对比关系。
但我不认为发现这些关系是理性原则指导下的结果，有经验的摄影者都清楚，在按下快门的瞬间，这种形式关系的把握多半是直觉式的，理性当然可以参与其中，但感性往往要快于理性，眼镜和手指要快于脑子。
我强调要拿起相机多看多拍，是因为眼睛要习惯于取景框的存在。让相机成为身体的感官，或者说，让身体被相机改造，后者的说法尤其适用于不同焦段，每一种焦段就是一种新的观看方式，对于构图的影响是本质性的。鉴于此，我打算多谈一点焦段与构图的关系，并让三个时尚人像摄影师来以他们各自的构图风格现身说法。
一、广角（Anni Leibovitz）
广角的透视会让构图强调线条的汇聚和几何图形的构成。 请注意下列图片中三角形、对角线，多人人头构成的连线。
二、长焦（Peter Lindbergh） 同样是拍Vogue群像，Anni和Peter是个有趣的对比。前者强调高低的构成关系，后者的画面内根本放不下那么大的景别。
让我再延伸开来，这是Patrick Demarchelier拍摄的Vogue China创刊封面，我记得刚面市时很多读者觉得姿势普通构图平庸，但我觉得很恰当，因为长焦的透视有利于表达上海主题（背景更近、更大，容易看见，但又足够的虚来避免干扰主体。）
长焦的透视会让构图弱化线条，并转向前后景和主体的虚实与明暗关系。
在Peter Lindbergh的世界里，虚化的前景（墙角、窗框甚至用纸巾塑料布等临时物体部分遮挡镜头）是必要的构成元素，它与清晰的主题构成对比关系并平衡了画面。
三、中焦（Mario Testino）
中焦的透视会让构图同时获得并不强烈的线条汇聚和虚实关系。
我有阵子在固定使用85定焦（Testino用哈苏645，焦段应该是120）的时候，强烈的感受就是“甜蜜”，因为一切都是刚刚好，不极端，但又什么都有。85被称作“人像头”不是没有道理，比较适合拍摄女性。
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匿名用户
摄影既要考虑传达，又要考虑构成。
一切艺术莫不如此，设计、绘画、音乐……重要的是，摄影也是。
因为摄影是“超写实”的具象艺术，它所面对的材料多数不具备天然的抽象性。
但人类天然具有抽象的能力并从中获得审美愉悦。这是审美的身体性。
两个黄鹂鸣翠柳，翠柳之间的黄色来自生存意义上的自然选择。一行白鹭上青天，白鹭排队飞行是群体性的“涌现”（参见KK的《失控》）。天地有大美而无言，自然界的和谐从来不是从美的立场出发，能感知色彩和线条的人类才使其具有美学的意义。
所谓具象艺术，在构成的意义上，就是在具象中考虑点线面的构成关系。拉菲尔《草地上的圣母》是圣母的大三角形嵌套圣母圣子视线和头部构成的小三角形。
所谓抽象艺术，在构成的意义上，就是在抽象中考虑点线面的构成关系。蒙德里安的格子画，把绘画材料限制在直线、方形和色彩并以此来结构世界。
人体内悬挂着愉悦的钟，使之震荡并共鸣的构成方法，只有两点：1、对比。2相似。设计中所谓的“ABA”原则。AB为对比，AA为相似。我的某位写作朋友创作谈所谓“对峙与均衡”，简要方法是每一个自然段后，要用下一个自然段与之对峙（口吻、调性、节奏、松紧），并用其后的自然段完成“均衡”。
对比和相似的方法是身体性的。这意味着：一个少年，在他成长时扔给他一台相机，就像18岁的时候给他一个姑娘。凭借本能，他应该能发现构图的本质秘密，假如他足够敏感并且充满勇气。
我不同意按照任何分类的方法，把构图分为什么“S形”或者“交叉式”构图，这种教条式的分类也许对于培养初学者的感觉有启发意义，但阻碍了人去发现构图更为本质的秘密。这个秘密不是一句话或者某些明确而僵化的“知识”，而应是身体的钟在不断的捶打和震荡中，对于“对比和相似”所培养起的迅捷而敏感的直觉。
我也不同意参考国内任何所谓摄影专家对于任何所谓摄影大师的、传播学意义上的介绍分析，他们普遍素质很低，无非是靠制造光环和比拼谁离光环更近来售卖二手教材和畅销书。最佳的方法是购买大师的画册，或者到网上搜索他们的作品，没有任何先见的观看。
我不相信这些所谓专家，是发现从他们身上不能获取任何有益的营养（净介绍安塞尔亚当斯这种二流人物），相反，凭借自己的本能和实践，所收获的远比他们介绍得多。比如构图，我就从来没见过靠谱的定义，如果让我根据我的经验和理性来总结一个，我以为：
构图是线条、几何图形与裁剪框图形之间的形式关系。
裁剪框图形：
横线、竖线与裁剪框图形的形式关系（所谓的九宫格构图）：
对角线、三角形与裁剪框图形的形式关系：
我是拍人像的，具体说是拍时尚人像的，所以更愿意找我熟悉的例子来参照上述定义。
其中，左图的三人的竖线以及裁剪框的边线构成了相似和对比关系，右图的垂直线和对角线构成了对比关系。
但我不认为发现这些关系是理性原则指导下的结果，有经验的摄影者都清楚，在按下快门的瞬间，这种形式关系的把握多半是直觉式的，理性当然可以参与其中，但感性往往要快于理性，眼镜和手指要快于脑子。
我强调要拿起相机多看多拍，是因为眼睛要习惯于取景框的存在。让相机成为身体的感官，或者说，让身体被相机改造，后者的说法尤其适用于不同焦段，每一种焦段就是一种新的观看方式，对于构图的影响是本质性的。鉴于此，我打算多谈一点焦段与构图的关系，并让三个时尚人像摄影师来以他们各自的构图风格现身说法。
一、广角（Anni Leibovitz）
广角的透视会让构图强调线条的汇聚和几何图形的构成。
请注意下列图片中三角形、对角线，多人人头构成的连线。
二、长焦（Peter Lindbergh）
同样是拍Vogue群像，Anni和Peter是个有趣的对比。前者强调高低的构成关系，后者的画面内根本放不下那么大的景别。
让我再延伸开来，这是Patrick Demarchelier拍摄的Vogue China创刊封面，我记得刚面市时很多读者觉得姿势普通构图平庸，但我觉得很恰当，因为长焦的透视有利于表达上海主题（背景更近、更大，容易看见，但又足够的虚来避免干扰主体。）
长焦的透视会让构图弱化线条，并转向前后景和主体的虚实与明暗关系。
在Peter Lindbergh的世界里，虚化的前景（墙角、窗框甚至用纸巾塑料布等临时物体部分遮挡镜头）是必要的构成元素，它与清晰的主题构成对比关系并平衡了画面。
三、中焦（Mario Testino）
中焦的透视会让构图同时获得并不强烈的线条汇聚和虚实关系。
我有阵子在固定使用85定焦（Testino用哈苏645，焦段应该是120）的时候，强烈的感受就是“甜蜜”，因为一切都是刚刚好，不极端，但又什么都有。85被称作“人像头”不是没有道理，比较适合拍摄女性。